Los estudios sobre el tango y la mesomúsica en Carlos Vega. Entrevista a Coriún Aharonián

El compositor y musicólogo uruguayo Coriún Aharonián realizó la edición del libro póstumo de Carlos Vega acerca del tango. Afirma que el cañuelense “planteó por primera vez en el mundo la necesidad de tomar en serio la música popular” adelantándose en el tiempo, y que aún no tiene el reconocimiento continental que merece.

 

Coriún Aharonián (1) es hoy responsable del Centro Nacional de Documentación Musical “Lauro Ayestarán” en la capital uruguaya. Lauro Ayestarán, principal musicólogo del vecino país, fue discípulo directo de Carlos Vega.

Al morir Vega en 1966, deja inconcluso su proyecto de libro sobre el tango, las hermanas y herederas sabiendo la importancia del estudio, ponen en manos de su amigo Lauro Ayestarán todas las carpetas. Ayestarán ordena e inventaría las mismas, pero lo sorprende la muerte apenas unos meses después.

Aharonián se hace cargo del proyecto tras 40 años -luchando desde mucho antes- y publica en 2007 con la ayuda de la Universidad Católica Argentina el libro de Carlos Vega con el título sugerido por Ayestarán: “Estudios para los orígenes del tango argentino”.

-En una publicación suya (ver) clarifica la importancia del concepto de la "mesomúsica" (o música del medio) en  Carlos Vega, como un adelanto para mejor interpretar la música de hoy. Usted presenta una lista de producciones que va desde Beethoven, Pavarotti, Beatles, Frank Zappa, hasta los primeros tangos, la bossa nova y Litto Nebbia. "Valorar la música que oímos todos los días", decía Vega al respecto, a pesar de no haber escuchado mucha de la música citada. ¿Cree que sigue teniendo vigencia el concepto para entender hoy y relacionar la música que escuchamos en la radio por ejemplo, con sus orígenes cultos y aun primitivos? La pregunta es también en virtud de la importancia de que los aportes de la musicología lleguen a un mayor público, el nombre Carlos Vega aquí sigue siendo poco conocido, o no lo suficiente, incluso por los músicos, estudiándose sólo en ámbitos especializados.
-Lo importante del aporte de Vega es el haber planteado por primera vez en el mundo la necesidad de que la musicología tomase en serio a la música popular y la estudiase con el mismo rigor con el que se estudiaba la música culta y la música folclórica. En esa época, el término "música popular" era comprensible sólo en algunas regiones del mundo (en España, Francia e Italia por ejemplo, significaba otra cosa), por lo que Vega trató de esquivar discusiones inútiles y propuso un neologismo para definir ese campo de estudio. El término propuesto en 1965, "mesomúsica", no era demasiado feliz, pero resultó (y sigue resultando) útil muchas veces para tener claridad científica, si bien desde mediados de los ochenta se ha estado imponiendo "música popular" internacionalmente, con lo que la necesidad de la palabra "mesomúsica" ha quedado drásticamente reducida.
Es cierto que el nombre de Carlos Vega es poco conocido en su país natal, pero eso ocurre no sólo con Carlos Vega, y no sólo en la Argentina. En el caso de Vega ha habido un ensañamiento parricida bastante grande. He peleado contra ese ensañamiento durante décadas.
 

-¿Qué anécdotas puede recordar, cuál era la valoración personal y como investigador, que hacía Lauro Ayestarán de Carlos Vega?
-Dentro de poco serán publicados dos textos míos en los que analizo la relación de Vega y Ayestarán. Uno en la revista del instituto que lleva el nombre de Vega en la Universidad Católica de Buenos Aires, y otro en un libro sobre Vega de la editorial Gourmet Musical que reune artículos de numerosos musicológos reunidos por Enrique Cámara. Ayestarán tenía en altísima estima a Vega y se consideraba su agradecido discípulo.
 

-¿En qué momento se encuentra el Centro de Documentación “Lauro Ayestarán”? ¿Cuál es el aporte que esperan brindar a la comunidad uruguaya y latinoamericana?
-El Centro Nacional de Documentación Musical se ha creado con grandísimas dificultades administrativas, como suele ser habitual en nuestros países. Hemos contado, por suerte, con el decidido apoyo de dos sucesivos ministros de Educación y Cultura, la Ing. María Simon y el Dr. Ricardo Ehrlich. Hemos logrado rescatar parte del valiosísimo acervo documental de Lauro Ayestarán, y lo hemos estado poniendo en condiciones de ser, poco a poco, consultado por estudiosos de todo el mundo.

El Centro tiene como finalidad el documentar y difundir las músicas de los uruguayos, pero no se limita a una actividad circunscripta a los límites políticos del país. En nuestra cortísima existencia, ya hemos organizado dos coloquios internacionales del más alto nivel musicológico, uno sobre "Música/musicología y colonialismo" y el otro sobre "La música entre África y América", cuyos textos se recogen en libros.

Los estudios sobre el tango: un Carlos Vega puro

Asomarse a “Estudios para los orígenes del tango…” es hacerlo a una de las personalidades con vocación científica más polémicas y candentes que haya dado el país. Que un musicólogo decida estudiar el tango, ya era raro (2); señala Aharonián en el prefacio “la musicología no se ocupaba de las músicas (y danzas) populares y cedía el estudio de las tradicionales a los especialistas en Folclore”. Vega es la mente ordenadora que viene a pelearse con la opinión y el diletantismo en el campo de lo popular. Y también se adelanta a su época, excediendo en muchos casos el contexto filosófico y las herramientas conceptuales de que disponía, es así que “en su autoexigencia, en su obsesiva búsqueda de rigor, Vega se contradice a menudo. Pero en ese juego dialéctico (…) va demoliendo la tontería habitual y descubriendo verdades fascinantes” (Coriún Aharonián, Prefacio).

El libro además contiene dos anexos, el primero: el ensayo fundacional de Vega sobre la mesomúsica, que constituye el primer esbozo teórico en la historia de la musicología que se ocupa de la música popular como un todo. Presentado en Bloomington (EE. UU.) en 1965, no habría llamado mayor atención, Aharonián cree que una de las razones es que “Vega no era ni inglés ni estadounidense, y ni siquiera alemán o francés, sino un simple, pequeño y desconocido latinoamericano que insistía en vivir y trabajar en su propio país, y que era -¡hasta eso!- incapaz de escribir un ensayo en inglés o de hacer un viaje cada seis meses a Europa”.

El segundo anexo, es un texto sobre Carlos Gardel, que el lector agradecerá. El conjunto, hace pensar que, de publicarse en 1967 como estaba planeado por su autor, otra sería la perspectiva actual acerca del tango y la música argentina.

Montevideo, enero 2012

(Revista La información de Cañuelas, marzo 2012)

Artículo de Carlos Vega “Mesomúsica: Un ensayo sobre la música de todos”

Notas

(1) Coriún Aharonián (Montevideo, Uruguay; 4 de agosto de 1940) es un compositor y escritor uruguayo, autor de numerosas obras de cámara y piezas de música electroacústica que se han estrenado en todo el mundo. Estudió en Uruguay, Argentina, Chile, Francia, Alemania e Italia. Sus más importantes maestros fueron los compositores Luigi Nono y Héctor Tosar y la pianista Adela Herrera-Lerena. También recibió clases de Gerardo Gandini, Vinko Globokar, György Ligeti, Gordon Mumma, Folke Rabe, Fernando von Reichenbach, Christian Wolff, y Iannis Xenakis, entre otros. Fue compositor invitado del Berliner Künstlerprogramm del Deutscher Akademischer Austauschdienst en 1984-85. Le fue concedida una beca Guggenheim (2004-05) para realizar trabajo musicológico. Es Ciudadano Ilustre de Montevideo desde 2010 (ver semblanza de Daniel Viglietti).

(2) Alguien que estaba muy al tanto de las publicaciones de Vega sobre el tango –que comienzan en “Danzas y canciones argentinas” de 1936 y luego siguen en artículos y libros en las décadas subsiguientes- era Jorge Luis Borges. Da cuenta de su lectura por primera vez en “Historia del tango”, ensayo que incorpora a la edición de 1955 de Evaristo Carriego. Pero la cita más pintoresca la hace en una conferencia de 1963, que incluye un imperdible comentario sobre Cañuelas (ver pasaje en InfoCañuelas).

Entrevistas de El Ciudadano a los talleres

El semanario masivo, El Ciudadano Cañuelense, realizó entrevistas a tres de los talleres de la biblioteca: Cine Debate 10/09/2011, Filosofía 30/07/2011 (imágenes), y Teatro 13/04/2011 (versión online.)

Nuestro agradecimiento a Julián Velázquez y al medio.

Libros sobre fútbol y reportaje a Daniel Roncoli ¿qué más?

“Que aprendan, mi amigo, a las patadas pero que aprendan”.
(Palabras adjudicadas a D.F. Sarmiento cuando Alexander Hutton, padre fundador del fútbol argentino y a la sazón Rector del High School English, le solicita permiso para enseñar el deporte a sus estudiantes. Cuanto pondría (también…) a Sarmiento como uno de los impulsores del fútbol en Argentina).


EL FÚTBOL COMO VEHÍCULO DE IDEAS


El actor y escritor Daniel Roncoli incursiona en la narrativa infantil y cuenta su experiencia. Por las ediciones Párrafo Aparte y junto al asesoramiento periodístico de Alejandro Fabri, ya aparecieron sus libros de la colección Pelota de Papel: “Las aventuras del Mellizo” (historia de Guillermo Barros Schelotto) y “Esta historia no es cuento” (historia del Club Vélez Sarsfield en sus 100 años).

Comenzó el Mundial y no queremos quedar afuera. Agradecemos a Daniel la buena onda (respondió estas preguntas por mail, e hizo llegar sus libros a la Biblioteca), y a los compañeros de La información por haber dejado congregar –ahora aun con otros cambios sutiles- la entrevista en torno a los libros.


-La escritora chilena Gabriela Mistral decía que la única patria es la niñez y que todo lo demás es mistificación política, leyendo tus libros: ¿podríamos decir que tu patria es Cañuelas y una de tus místicas el fútbol?

-Es una frase que también usaba Borges y con la que me identifico, la de la patria y la niñez. No tengo un sentimiento patriótico en el sentido chauvinista y la connotación que se le da usualmente, pienso más sin fronteras y que la única nacionalidad es la raza humana. En cuanto al fútbol como mística es casi una entelequia, por diversas razones que son largas de enumerar, el fútbol está vacío de mística. Lo más acertado, en cuanto a la relación del fútbol con la literatura, creo que es verlo como un vehículo de ideas.

-¿Qué desafíos implicó escribir para chicos, como lo estás haciendo ahora para Pelota de Papel; qué fue lo difícil o lo fácil en el incursionar en una área tan extralimitada como la literatura infantil?

-Es un desafío relativo. Desde el punto de vista técnico, fui contratado para eso por lo que no tengo que cargar con el peso -ni con los pesos- del proyecto. En cuanto a lo que tiene que ver con el contenido, me llamaron para escribir una docena de libros formales, biografías e historias duras y yo lo llevé hacia un continente de ficción. Los hice más divertidos y menos informativos con una ligera intención formativa. No me fue fatigoso porque partí desde el lugar que parto siempre, que es el juego. Me resultó divertido.

-Soy de Boca, y he discutido con mucha gente sobre la valía de un jugador como Guillermo. Imaginate, para nosotros haber visto a Román, Palermo y Guillermo juntos es una edad de oro que les podremos contar a nuestros hijos. ¿Pensás que seguirán saliendo jugadores como El Mellizo o de a poco vamos a tener que irnos acostumbrando a puntas y medias puntas "in vitro" como Messi en un mundo cada vez más globalizado que borra las particularidades?

-Hay poco espacio para la rebeldía. Más allá de las características puntuales de Barros Schelotto, vemos como cada día se van uniformando más los jugadores. Desde mi punto de vista no es sólo una resultante de falta de futbolistas de esas características sino como una resultante de muchos factores que tiene a la comunicación en uno de sus vértices de influencia. Se ha modelado un espectador impaciente y compulsivo que no permite el desarrollo de un estilo: los periodistas ven como una catástrofe dos derrotas y piden cabezas. En esa urgencia, los que menos arriesgan son los que mayores posibilidades de supervivencia tienen y por ende, todo se achata e impera el miedo. En este sentido, estimo a Riquelme: en un mundo ligero, frenético y de jugadores atletas él impone su ritmo, el parar la pelota, que es una cuestión ideológica, y no dejarse arrastrar por el sentimiento de manada.

-La Biblioteca Sarmiento organizó por segundo año consecutivo la Semana de la Poesía, en 2010 con la participación de más de 60 autores. Contanos qué es para vos la poesía.

-Es la gambeta de la literatura. El intento de tirar un caño. Hay poesía y hay estados poéticos.

-En algún momento dijiste que no leías clásicos, hablando en serio: ¿qué clásicos leíste o te gustan?

-No recuerdo haber dicho eso pero es absolutamente cierto. Leo muy poco. No me ufano de ello, todo lo contrario: soy un lector abandónico, con pereza y desapasionado.

-Un libro que hayas leído hace poco y recomiendes.

-Leo muy poco, pedacitos de libros, cosas sueltas... me cuelgo con mis ideas y con lo que tengo por escribir. No le dedico tiempo ni concentración a leer. Creo que el último que leí entero, así, de un tirón, en viajes de colectivos recientes fue uno que se llama Fernández, que es un libro de Jorge Fernández Díaz. Me resultó entretenido.

-Alejandro Dolina suele sostener que el fútbol no es "cultura". ¿Cómo sentís que se puede relacionar el fútbol con eso que llamamos cultura y, si, digamos, la literatura puede operar como puente, o el fútbol ya merece ser considerado cultura?

-Creo que Dolina lo dice en el sentido académico del concepto. También con un ánimo provocativo. Desde el rito y desde el peso que tiene el fútbol en nuestra sociedad, no tengo duda que es, cuanto menos, un fenómeno cultural. En relación a la literatura, si bien se lo intenta ver como género, creo que la literatura toma al fútbol como un escenario para hablar de sentimientos imperecederos, vitales y eternos. Se escribe de eso. No se habla de la cuestión táctica o estratégica del fútbol sino de amor, de traición, se teje una historia policial, lo que fuera, dentro de un continente futbolístico como podría acontecer en otro sitio, un ascensor, la calle o el ámbito de una oficina. Muchas veces, que esas historias pasen alrededor del fútbol les da una particularidad. Otras, suceden en escenarios futboleros como mera escenografía. Lo que sí noto, es que mucha gente lee a algunos buenos autores cuando advierte que tocan al fútbol. En este sentido, creo que es un aporte sustancial para la literatura. Los libros tienen poco público y es bueno sumar lectores con la excusa futbolera.

Aquí les cuento:
“La seño me pregunta por un gran hombre de nuestra historia: ¿Quién será? ¿San Martín? ¿Belgrano? ¿Sarmiento?
-Pepe Amalfitani, ese es el gran hombre de nuestra historia. No cabe ninguna duda”.
Pasajes instructivos de este estilo –el citado sobre el gran hacedor del club Vélez- pueden leerse en los dos libros de historias de fútbol que Roncoli publicó por Párrafo Aparte.
Mediante tres personajes de ficción, Galindo, Aquiles Vendo y El Patriarca de los Goles, el autor va dilucidando desde el entretenimiento, historias del fútbol argentino perfectamente documentadas.
“Me atrevo a decir con conocimiento de causa -cuenta Daniel en la contratapa- que no hubo otra colección así”.

Bienvenido este proyecto del que habrá otros libros y tiene a Daniel Roncoli como principal protagonista, en donde los chicos aprenderán sobre el deporte más popular que, además de haber hecho ya merecimientos para formar parte de nuestra historia grande, posee valores humanos que aquí son resaltados.

Ficha: Daniel Roncoli nació en Cañuelas y tiene una larga trayectoria dentro del periodismo, entre la que se encuentra redactor de la revista El Gráfico. Desde el 2006 con su libro “Instrucciones para embellecer el domingo” ingresa a la literatura sobre fútbol, publicación a la que siguen “Resaca de potrero” y “Canilleras en el alma”, con el aliento de grandes relacionados con este deporte como Víctor Hugo Morales, Roberto Fontanarrosa y Jorge Valdano.

La información Revista, mayo de 2010.


Quién pudiera haber sido Diego Maradona.
Para pararse como De Niro en el espejo.
Preguntarse ¿me hablás a mí? y sin resentimientos, en voz alta, decirse todos los errores.
Prometerse todas las mañanas.
Comprometerse una vez más con la alegría.
Y abrazarse a solas, con él mismo, con los brazos y el corazón, que le donaron los humildes.
Para ser uno con la piel de millones.
El eco de todos los anhelos.
La fantasía colectiva de un orgasmo ancestral con forma de pelota.
Para sentir por un instante lo que es ser Diego Maradona.

¿Quién pudiera? (fragmento), de Instrucciones para embellecer el domingo, Daniel Roncoli.

Libros sobre fútbol en la Biblioteca Sarmiento:
-Historia del fútbol argentino (La Nación), tres tomos, 1994.
-Memoria y balance general, periodo 1-7-92/30-6-1993 (AFA).
-El libro de oro del Mundial 1930-1998 (Clarín).
-Los mundiales de fútbol (Luis Garro), 1978.
-“Sábado”, la historia del fútbol del ascenso (Gabriel Chepenekas, Fernando D’Addario y Luis Vívori), 1997.
-Fútbol amateur para principiantes (Prof. J. Mera), 1972.
-“Ser o no ser… arquero”, Musimesi/Carrizo/Fillol/Gatti/Goycoechea (Lucio Fernández Moores), 1992.
-Reportajes a 95 celebridades del deporte (Sergio Evangelista), 1993.
-Fútbol “juegos para el entrenamiento” (Günter Lammich), 2007.
-Reglamento de fútbol (Editorial Stadium).
-Fútbol, dinámica de lo impensado (Dante Panzeri),1967 leer fragmentos
-“El potrero, la pista y el ring”, las patrias del deporte argentino (Eduardo P. Archetti), FCE, 2001.
-“Crónicas del aguante”, fútbol, violencia y política (Pablo Alabarces), Capital Intelectual, 2004.
-Mi visión del fútbol (Enrique Macaya Márquez), 1996.
-El fútbol que le gusta a la gente (Enrique Pagani), 2006.
-Literatura de la pelota (selección Roberto J. Santoro, presentación Alejandro Apo, estudio Lilian Garrido), reedición de 2007.

-Cuentos de fútbol argentino (selección y prólogo: Roberto Fontanarrosa), Alfaguara, 1998.
-“Corazón y pases cortos”, cuentos futboleros pateados (Juan José Panno), 2007.
-El equipo de los sueños (Sergio Olguín), 2004.
-El fútbol a sol y sombra (Eduardo Galeano), 1995.
-Puro fútbol (Roberto Fontanarrosa), Ediciones De la Flor.
-Cuentos de los años felices (Osvaldo Soriano), Editorial Sudamericana.
-Un viejo se pone de pie y otros cuentos (Eduardo Sacheri), 2007.
-Esperándolo a Tito y otros cuentos de fútbol (Eduardo Sacheri).
-Lo raro empezó después, cuentos de fútbol y otros relatos (Eduardo Sacheri).
-Instrucciones para embellecer el domingo (Daniel Roncoli), Ed. Del Jilguero, 2005.
-Resaca de potrero y otros cantos al fútbol (Daniel Roncoli), Ed. Del Jilguero, 2006.
-“Las aventuras del Mellizo”, Guillermo Barros Schelotto (Daniel Roncoli), Párrafo Aparte, 2009.
-“Esta historia no es cuento”, Club Atlético Vélez Sarsfield (1910-2010) (Daniel Roncoli), Párrafo Aparte, 2009.

-Pieza de museo: Alumni, “Cuna de campeones y escuela de hidalguía” (Ernesto Escobar Bavio), Editorial Difusión, 1953. Sobre la base de este libro acerca del primer club de fútbol de la Argentina, se filmó la película “Escuela de campeones” estrenada en el Cine Teatro Broadway en diciembre de 1950, luego proclamada mejor producción cinematográfica del año.

Lecturas de Tito

La poesía es la zona de lectura donde lógicamente un poeta se siente más cómodo. Con Tito hablamos de poetas grandes como Orozco o Borges, pero siempre reparos. En general suele nombrar poetas nuevos, que al año o al mes cambian. Y en su mayoría autores que tuvo la oportunidad de conocer. Así Ester de Izaguirre así Calvetti así Cristina Pizarro así Ana Emilia Lahitte…

Los borgeanos “Emma Zunz” y “El hombre de la esquina rosada” no faltaron en la conversación. “Me gusta el cuento corto”-aclara. De este modo llega a poner sobre la mesa [Ceremonia secreta] del autor argentino Marcos Denevi (1922-1998), en realidad una novela corta cercana al género gótico. "Es un libro de cabecera mío, lo amo. Me gusta la técnica de Denevi: te va llevando de una manera para que pienses algo y, de repente, encontrás una situación completamente nueva que te hace cambiar todo lo pensado con anterioridad. Ese cambio de perspectiva me gusta. Y con el personaje que descubrís al final, cuál es problema de Cecilia Aruffat, quedás admirado; es como un golpe que descubre la trama de toda la novela, el desenlace de una violación. Después cómo están trazados los personajes, el peso de cada uno de sus dibujos". Varios de los libros de Denevi –entre ellos Ceremonia secreta- fueron llevados al cine y llegaron a Hollywood.

[Poéticas del vacío], del poeta, sacerdote y ensayista Hugo Mujica (1942). "Cada cosa que leo de este libro me gusta más. La profundidad que tiene, la luz de la palabra; cómo la maneja, así en corto. El valor que da a la palabra, porque no es musical su poesía, ¿no? En este momento es mi poeta de cabecera, como en su momento pueden haber sido Octavio Paz o García Lorca".
“Poéticas del vacío” (Ed. Trotta, 2002) dentro de la obra de Mujica pertenece a la serie de los ensayos, de todas maneras logra momentos muy poéticos con “poemas señal”, entre citas y lugares propios de su obra, y por el uso de justamente los vacíos de la página.

Tomás José Riva

-¿En qué sentís que la poesía te ayuda?
-Yo a la poesía le cuento todo. Es un llamado que me llega y al que me vuelco por completo. Con la poesía soy totalmente sincero, de ahí que la sienta siempre conmigo.
-¿Con las personas no se puede ser igual?
-A veces no. A la poesía le puedo contar cosas que no cuento a otro. Y en ocasiones hay que ponerlo subyacente, porque no todo está dicho en lo que decís, sino en lo que dejás de decir pero va implícito en lo que decís.
-¿Adónde escribís?
-Este es mi rincón (el mismo de la foto). Tengo mi escritorio arriba, pero viste que uno elige un lugar medio embarullado, así con libros…Ojo, puedo estar escribiendo en cualquier parte, por ejemplo a “Puerto libre” lo escribí haciendo un curso, tiraron un título y podías hacer lo que querías, y es mi poema más premiado y uno de los que más satisfacciones me dio.
-¿No sos supersticioso con respecto a la inspiración, al lugar o la forma?
-No, no.
-¿Escribís siempre, nunca memorizás?
-Sí, sí. Tengo poemas escritos después de un sueño, intentando rescatar ese momento. O por ahí en vela, cuando no me puedo dormir, pensando brotan poemas que no escribo, a la poesía no la podés buscar cuando no está. ¿Y sabés lo que me pasa en otras?, después de escribir pienso si lo escribí yo, me cuesta reconocerme a veces.
-Es raro eso.
-Por eso no puedo escribir cuando me lo piden. Yo siempre digo, y estoy de acuerdo con Lorca, que es un viaje.
-¿Escribiste teatro?
Sí, cuando era muy jovencito. Escribí cuentos también, pero no me identifico con ellos, termino haciendo poesía. Valoro al que se dedica a varios géneros, pero yo no podría. Amo la poesía. Sé que es un género difícil, que es para pocos, que no es comercial…
-Baudelaire decía (a la cita la revemos en casa): “En cuanto a los que se dedican o se han dedicado con éxito a la poesía, yo les aconsejo que no la abandonen jamás. La poesía es una de las artes que más rinden; pero es una especie de inversión en las que no se obtienen los intereses hasta muy tarde; en desquite, estos intereses son muy elevados. Desafío a los envidiosos a que me citen un solo libro de buena poesía que haya arruinado a un editor. ¿Cómo sorprenderse entonces de que todo hombre normal pueda pasarse dos días sin comer? Pero sin poesía, jamás. El arte que satisface la necesidad más imperiosa será siempre el más honrado”. [Charles Baudelaire (Francia, 1821-1867), está considerado el primer poeta maldito, una de las primeras grandes individualidades, o mejor individuo, de la poesía].
-Vos no sos una persona muy teórica, ¿cuál es el método que utilizás para que tus alumnos escriban? Ya es un tópico famoso de tus dedicatorias y conversaciones.
- No...(reconoce que no es metódico). Cuando empiezo todos se asombran porque dicen “yo no voy a poder escribir”. Y después, al poquito tiempo, están escribiendo todos. Aunque cada uno trata de escribir más que otro o mejor que otro…Me pasó este año: al principio les leí trabajos de otros alumnos que escriben y me miraban con ojos azorados y, después, al poco tiempo, ya escribían todos; por supuesto con diferencias, pero yo valoro también el esfuerzo y otros elementos. (Nombra no menos de diez alumnos, con sus nombres propios, que empezaron a escribir este año con buenos resultados).
-¿Creés que se debe en gran parte a que seas poeta?
-Se lo transmitís. El chico sabe que lo que va a hacer a mí me va a deleitar. Que me hace feliz. Creo que ése es mi pequeño triunfo en la docencia.

Cuantos fuimos alumnos de Tito sabemos, no miente: que sus alumnos escriban lo hace plenamente feliz. El resto de sus circunstanciales humanos, en general objetos de críticas –la vanidad, el egocentrismo- quedan desarmados bajo esta condición amorosa mucho más relevante.

El nuevo libro

"Te lo prometo/mi Casa/mi hogar/mi universo/todo/Te lo debo Pueblo mío" (Cañuelas de buenos aires, Sentires, 2009)


Tomás José Riva, que este año festejó su cumpleaños número siete y cero, en octubre pasado presentó su poemario número diez: Sentires, editado con el auspicio del Gobierno Municipal y declarado de Interés Educativo Cultural, razón por la que llegó de manera gratuita a todas las escuelas y bibliotecas de Cañuelas. “Sentires”, como bien avisan los subtítulos (de Cielo, de Tierra, de Patria, de Suelo, de Gente, de Casa), es una suerte de compendio de sus trabajos más cercanos al quehacer de maestro y a la raigambre local.

En la poesía de Tito empujan dos movimientos, como coordenadas: el consentimiento y el poetizar. El primero es el que predomina en este libro, aquí entregado como una deliberada elección de temas, aunque el autor no lo reconozca: Las Malvinas, San Martín, La Bandera, Evita, Los inmigrantes. En otros pasajes en cambio sentimos que el poetizar, propio e intransferible, cobra importancia: así en El baúl – exordio y justificación de temas-, en Soy el desierto que clama, en Grito –aquí reconoce tratar por primera vez la fundición del indio con las sangres europeas- y en Golpearon a la puerta, ensoñación de un alumno (¿ideal, transfigurado?) desde la que abraza su vocación de maestro de una manera totalmente personal e inesperada.

Se dice de él

En octubre de 2007 convocado por Gente de Letras compartió un panel con Victoria Pueyrredón, directora de Letras de Buenos Aires, “una insignia, una reliquia, diría yo” apunta Tito. Dijo de su poesía que tenía “talento musical”. A raíz de este mismo encuentro le escribió Marta de París, quien asertivamente declaró: “tu poesía madura e intensa, llena el alma de bellas emociones”. La primera poetisa de trayectoria de la que Tito recuerda un apoyo -casualmente otra mujer- es la platense Ana Emilia Lahitte, quien en los primeros congresos de la década del 80 “cuando estaba con mucho miedo, me dijo: usted va a ser un gran poeta”.


Los libros

Éditos:

-Las Puertas –Botella al mar- 1985 (*)
-Las Lunas –Botella al mar - 1986
-Hojas de Poesía Nº 1 –selección, Ocruxaves- 1986 (*)
-Las Albas –Botella al mar- 1987 (*)
-Los Viernes Blancos y el Lebrel de la Luna –Ocruxaves- 1988 (*)
-El Día de Sol en las Mañanas de Octubres –Ocruxaves- 1989 (*)
-El Huevo Verde en los Jardines de Marzo –Ocruxaves- 1991 (*)
-Las Sobremesas del Octavo Fuego –Ocruxaves-1992
-El Extranjero de las Manos Azules a la Hora de los Parques de Dios –Libros del Zahir-1997 (*)
-Hay una Extraña Paz en los Jardines –Ediciones Prueba de Galera- 2000 (*)
-Sentires –Algazul- 2009 (*)
-Los Altos Paraísos de la Casa -Algazul- 2010 (*)

Con asterisco (*) los que se encuentran en la Biblioteca Sarmiento.


Inéditos:

-Desnudez (ilustra Rodolfo Morfese)
-Convivio
-Estallido
-Remanecer
-Esa insondable sed
-Los vuelos circulares
-Fragua (escribe ahora)



Poemas.


Soy el desierto que clama

Tengo llagas en mi espalda
y mi pecho/ hecho pedazos
palabras que se quedaron y versos
en holocausto

Tengo ganas de la tierra
que a mí me dejó de lado

Ríos que mueren abajo
y un sol que quema/ y me abrasa

Soy el hijo desolado
que clama y no escucha
nadie

Soy grieta/arena
Soy nada
Soy la acritud
del espacio

Yerma madre
padre estéril

Soy –todo- eso
y me invade
el sentir que existo
y nunca quieren blandir
mi estandarte

Sed abierta de los muchos
que intentaron arribarme

Amante fiel del oasis
hembra y macho
que arde y clama

Caliente acopio de días
noche sofocante

Frío

Lacerantes
mis atajos

Soy el hijo descarriado
del humus
del agua clara

Y me tiembla un ansia oceánica
sobre fértiles peldaños
que quedaron vacíos
y que desvastados
yacen

Soy el Sahara que brama
la Patagonia

Soy eso
que aún
quiere ser

Vuelos que no se volaron
y suelos magros
que el hombre no indaga
y no mira –casi-

Desiertas mis soledades
llanto de muerte
que –acaso-
me gritan
tan desde adentro
que aturden
y que me mandan!

Hondonadas y montañas
verdeantes campos de savia
que circundan
y me entrañan

Y yo sólo
soy mirada
vientre que llora
su parto

Quizá un día
cuando el hombre
encuentre el sol
que me salve
y canalice mi carne
la sangre
que me restaron
Dios
se acuerde de salvarme
sobre un escenario
vasto

Y entonces
como un Arcángel
abra magnánimo
el ala
y pueda crecer en árbol
en ciudades
en sembrados

Porque me puebla
el anhelo
de procrear
y ser alguien!

Sentires (2009)



Yo he fundado la ciudad del milagro

Yo he fundado la ciudad del milagro
donde todo es amor

Tiene casas sin muros y arboledas
amplias ventanas con escalas blancas
y puertas grandes
con caminos largos

Todos se abrazan y se dan las manos

En mi Ciudad no hay miedos ni nostalgias
ni drogas
ni asesinos
ni candados

Yo He Fundado La Ciudad Del Milagro

Vive JESUS en una CASA baja
con un jardín de páginas y alas

También moran allí Romeo y Julieta
en una casa con balcones altos

Yo he fundado la ciudad del milagro
donde todo es tan claro como el agua
donde nada subyace
y todo se habla

donde juegan el tigre con los pájaros
donde Moreno ha logrado años
y las balas se ríen de las armas

En mi ciudad ha pernoctado el alma

Yo he fundado la ciudad del milagro
y la gobierna un Ángel

Viven en mi ciudad
y se han sumado

el filántropo
el bohemio
el visionario

Viven en mi ciudad también las hadas

Yo he fundado la ciudad del milagro
donde el verde es hermano de la casa
donde el azul es el color del aire
donde el blanco es rey
y nos abarca

Yo he fundado la ciudad del milagro
con PARQUES
sin relojes y palabraaasss

Yo he fundado la ciudad del milagro
La ha proyectado un arquitecto pájaro

El ASESOR es DIOS
-que es su habitante-

Hay “setenta balcones” florecidos
y Baldomero aplaude


El extranjero de las manos azules a la hora de los parques de Dios (1997)

Ver también lecturas elegidas por Tito

“Decodificando a un pintor”; repreguntas sobre la muestra de Omar Bustos en la Biblioteca, por Julián Velázquez

"A mi papá", la obra de Bustos que Velázquez interroga en su nota

Julián Velázquez, estudiante de periodismo en TEA y colaborador del semanario local La información, presentó hace unas semanas en el citado periódico una entrevista al pintor de Cañuelas Omar Bustos, y en particular repreguntando sobre dichos de Bustos vertidos en nuestro blog y acerca de las imágenes de su reciente muestra en la Biblioteca Sarmiento.

Agradecemos la generosidad de Julián. Todos pueden participar con notas publicadas o no; que se prendan de la cola del blog, o no.

Decodificando a un pintor

La significación y el valor de una obra, el estrecho vínculo que forma el artista con la misma, la música como elemento intrínseco al proceso de pintar y los recuerdos propios (o de otras personas) que se perpetúan en los lienzos.

Omar Bustos, de profesión banquero, es un reconocido artista plástico de Cañuelas que comenzó su actividad creativa en el 2004. Recientemente, expuso 12 acrílicos (de edificios antiguos, caballos, naturalezas muertas y objetos tradicionalistas, todo parte de un objetivo: rescatar la memoria de algo que fue) en una muestra realizada en la biblioteca local, cuyo blog publicó unos comentarios suyos que funcionan, a la vez, de

“disparadores”. De éstos se vale el recurso periodístico de la repregunta para profundizar en las opiniones.

La pintura titulada A mi papá muestra la imponente cabeza de un caballo y, apoyada delicadamente sobre la misma, una niña de cabello blanco. En el blog, Omar dice que no osaría vender esa obra porque le recuerda algo que su padre quería. ¿A qué se refiere?

El artista cuenta que, antes de fallecer, su padre le comunicó a su esposa un deseo: ser abuelo. La madre de Omar se guardó ese episodio hasta que, luego de un tiempo, se lo relató a su hijo. “Eso me activó, me mató…mi viejo no conoció los hijos que tengo”, explica Omar, quien pintó a la niña del cuadro basándose en su hija, María Felicitas. ¿Por qué decidió hacerlo? Tras conocer el anhelo de su padre, dos hechos lo marcaron terriblemente: un día, encontró en Internet la foto de una nena con un caballo, criatura por la que el papá del pintor sentía un profundo amor. La imagen influyó muchísimo en él y lo inspiró para pintar el cuadro. El segundo hecho puede ser considerado casi como una señal: en cierta oportunidad, su mujer terminó de ver una película y, cuando finalizó y los títulos finales empezaban a descender por la pantalla del televisor, apreció la misma fotografía que su marido había admirado en la web. Luego, Omar lo comprobó con sus propios ojos. “Se me caían las lágrimas”, recuerda.

Omar comenta en la página web que es muy sensible. ¿Cómo es eso? ¿Qué es lo que le provoca sensibilidad?

Esa palabra la relaciona con todas las ramas del arte y recalca especialmente lo que le sucede con la música. Ésta lo hace vibrar. Dicho de otra forma, ciertas canciones (en especial las de cantantes ingleses) mueven las fibras sensibles de su persona, la cual se convierte en destinataria de determinadas sensaciones. Esta posibilidad, empero, conlleva una responsabilidad: “Si vos sos receptor, también sos emisor”, asegura. Es decir, si uno tiene el don de saber degustar ciertos placeres, también está obligado a plasmar las emociones –generadas, en este caso, por la música- e interpretarlas en obras tangibles y simbólicas como lo son las pinturas.

Asegura que, si uno admira algo de afuera, debe tratar de formar parte. En su caso, ¿este “formar parte” implica plasmar imágenes en las creaciones plásticas?

Así es. Además, para poder “formar parte”, a Omar le debe gustar lo que pinta para conseguir volcar ese deleite sobre el lienzo. Por supuesto, su trabajo, por más real que pueda parecer, no deja de ser un recorte subjetivo de la realidad inventado, en parte, por él.

¿Es imposible concebir a una Omar Bustos pintando sin Deep Purple o Van Der Graaf?

“No pinto si no tengo música de fondo, no puedo agarrar un pincel”, sostiene. La afirmación es categórica y no deja lugar a dudas. Considera al sonido armónico (insisto: especialmente el que es compuesto por cantores ingleses) como un aliciente para crear el ambiente propicio para encarar una obra.

¿La técnica siempre está sujeta a cambios a lo largo de la vida o puede ser definitiva?

Asegura que puede cambiar y, de hecho, que lo hace. La experimentación amplía las capacidades y conocimientos artísticos del pintor, o sea, aleja los límites y lo confronta con nuevos saberes que antes ignoraba. De esta manera, su trabajo se va nutriendo y, como un organismo vivo, crece. Sin embargo, aclara que la técnica sola no alcanza para pintar sino que existe otra cuestión fundamental. ¿Cuál es? Omar la llama de la siguiente manera: “Lo que nace de vos”. Esa declarada abstracción puede ser aceptablemente confundida con la inspiración, aquello que lleva al artista a realizar su trabajo: crear. Ganas, inspiración y técnica. Un trío infalible para concebir ideas.

¿Omar puede finalizar totalmente un cuadro o siempre piensa en que le hubiera agregado algún detalle más tras ponerle la firma?

Le estampa su nombre a la pintura y la encuadra. Eso, no obstante, no quiere decir que la obra esté consumada. Afirma que “en parte” sí aunque también, como pintor, padece lo que muchos: la termina pero, después de un tiempo, considera que la hubiera hecho de otro modo. Cuando esa sensación lo invade –influida, definitivamente, por una personalidad perfeccionista y meticulosa-, un término que siempre tiene en cuenta también aparece a la par: el respeto por el trabajo finalizado. A pesar de ese molesto pensamiento que incluye un “¿Y qué tal si yo hubiera hecho tal o cual cosa?”, Omar reflexiona y, con respecto a la maduración que advierte en sí mismo en tales casos, manifiesta: “Sirve porque quiere decir que estás avanzando, evolucionando ya que, en ese momento (cuando terminaste cualquier pintura), fue lo mejor que pudiste hacer. Pusiste lo mejor que tenías”.

Ahora conocemos un poquito más a Omar, gracias a la repregunta.

Julián Velázquez

Ver todas las obras que Bustos expuso en la Biblioteca:

http://picasaweb.google.es/bibliotecapopulardfsarmiento

Nuestra nota a Bustos la encuentran dentro del Índice en "Entrevistas" o en el archivo de mayo de este año.

La increíble mano de Omar Bustos

Los zapallos, 2005 (acrílico 48x55)

Omar Bustos sorprendió a todos con su muestra en la Biblioteca Sarmiento, de la que inclusive ya vendió tres obras.

Dialogamos con él sobre su explosión creativa: como ya ocurrió otras veces nos olvidamos el grabador de voz, por lo que desgrabamos directamente de la memoria con la mayor dignidad posible.

La exposición podrá ser vista hasta el próximo jueves 7, cuando estaremos preparando la que se viene (así estamos, muestra sobre muestra).

Subimos a nuestra galería los doce acrílicos de Bustos: picasa

para mirar mientras leen la nota.

Comienzos
Una cosa es cuando empecé a pintar y otra cosa desde que me gusta. Y pienso: desde que nací, quedaba como embobado mirando arte. Después fui a la escuela técnica donde tuve mi primer acercamiento al dibujo, pero lo que ves recién explotó en el 2004. Y creo que ocurrió porque soy un atrevido, me atreví a hacerlo, aunque en el medio esté la sensibilidad de uno, y yo soy muy sensible. Creo que todos tenemos algo así escondido, si sos receptor de sentimientos también sos transmisor. Puede parecer pedante, pero creo que cuando uno admira algo de afuera también debe intentar formar parte.

La pintura, la técnica, el espacio de creación
La técnica es propia, nunca fui a un profesor a que me enseñe. Pienso que un profesor cuando enseña siempre enseña su propia técnica. Aprender aprendo de todos, hasta de los que no saben, para no cometer los mismos errores. Soy muy meticuloso (no necesita explicarlo, se ve en los cuadros), igual considero que las ganas y la emoción de uno se notan. Trabajo con fotos, eso me da lugar para “retacear” el tiempo, como yo digo, porque mi ocupación no me permite hacer todo en un día. Y siempre tengo que pintar con música, escucho desde Deep Purple a Van Der Graaf, música inglesa principalmente.

Íconos
Yo tengo tres íconos, no "ídolos" porque no me gusta decir. Soy fanático admirador de Molina Campos, del que en casa había los primeros almanaques; de Jorge Frasca, mi ícono a la hora de pintar casas; y de Carola Tadeo, a quien conocí, una artista joven de San Antonio de Areco que pinta los mejores caballos.Nombra a otros pintores como Nidia Petrina, destacada por sus naturalezas muertas, y entre los clásicos a Rembrandt y Monet.

Las obras
Bustos ya vendió más de 140 obras, muchas surgieron –y surgen- a pedido, una de las primeras fue la esquina de la agencia de autos Rattigan, que causó gran sorpresa entre los observadores, “no sé cómo hiciste para lograr eso con semejante cosa”, cuenta que contaron. Igual reconoce tener debilidad por las casas antiguas –algunas desaparecidas que reconstruyó a través de relatos-, los caballos y otras imágenes de nuestro campo extendidas a lo cotidiano. Por lo que esta muestra en la Biblioteca Sarmiento, es una mirada bastante completa sobre sus trabajos.

Esta muestra
“A mi papá” es el único cuadro que no se vende, ofrezcan lo que ofrezcan. Me recuerda a algo que él siempre quiso. La obra “La tahona” tiene una gran historia. Es la casa -prosigue- que está sobre la calle Vélez Sarfield, pasando Uruguay. Fue pintada tal como era hace 120 años más o menos, según el relato del dueño. Si van a ver ahora está cubierta de vegetación y le falta una parte. No nos queda otra que creerle, incluso la grieta que vemos en la pared de lo que era el granero y juntador de otras provisiones –hoy faltante- viene de ese viejo relato. Y más, según parece, la casa habría alojado durante un tiempo a un hijo reconocido de Juan Moreira.
Las otras dos casas que se exhiben en esta muestra -con historias más cercanas y conocidas por casi todos- son “Boliche de Rivas” sobre Brandsen y 9 de julio, ahora un cráter baldío, y la casa de la esquina de Lara y 9 de julio, todavía en pie (¿le habrá puesto “A la vuelta de la esquina” por estar a una cuadra de la Biblioteca?, no le preguntamos). Y por último “Boliche de campo” –la obra de menor tamaño- es un homenaje al pintor Jorge Frasca, y no rescata ningún lugar de Cañuelas en particular (1).


Nota del blog (1): En la entrevista a María Cristina Galli, ya habíamos subido una pintura que realizó Bustos de la esquina donde funcionaba el taller de Galli (esq. Brandsen y Del Carmen), resultante de un regalo de Bustos a la pionera local.

Hablamos con Mane y un montón de chicos

Entre el hermoso bullicio del taller de chicos que la misma orienta, conversamos con Marianela Raggi. Desde hace dos semanas en la Biblioteca se puede visitar su muestra “Momentos”, a la que hoy se le sumó una séptima obra, “Sin título”, la cual vemos en la imagen.

La artista plástica tiene una conocida trayectoria en varios talleres. Con la tutela de Rodolfo Morfese dirige el taller “Nosotros II”, junto a Rocío Romero. Asimismo, también participa en el taller de pintura de Ana Lía Juárez.

NOTA

-Días atrás, pusimos una nota a Cristina Galli y su Taller de la Esquina, según nos contó, vos te iniciaste con ella.
-Sí empecé en el Taller de la Esquina con Cristina cuando tenía 8 años, estuve tres o cuatro años. Después seguí en el taller de María Eugenia Vortaire y Griselda Picco, y ya cuando empezó Rodolfo con el taller municipal, comencé ahí; él me convenció para que estudiara Bellas Artes, en el Consudec, donde estudió Cristina justamente. Y después Rodolfo nos propone a Rocío Romero y a mí, abrir un taller con chicos desde 3 años y grandes…Hace cuatro años que estamos. Bueno, ahora Rocío está con el bebé y no está viniendo…
-Decinos los horarios.
-Lunes de 14.30 a 19.30, los martes de 17.30 a 20, y los jueves, para adultos, de 14.30 a 17. Un teléfono: 15602274.
-¿Afuera trabajaste con algún artista?
-Hice cursos de vitrofusión el año pasado. Y...trabajé con Alejandro Costas, Marino Santa María: cuando vino a ver el taller y después participamos con los estandartes y pasacalles. Y…con otro artista, no. Ah, Noé, cuando tenía que trabajar para la licenciatura Rodolfo me consiguió trabajar con Luis Felipe Noé, así que hice una monografía sobre él y conocí el taller. Allá está la foto…señala, y uno de los chicos pregunta si estamos grabando.
-Con respecto a esta nueva muestra que nos regalaste: en “La espera” está Berni, en “Se salió del marco” Klimt, ¿Rodolfo en cuál está?
-¿Cómo que en la espera está Berni?
-Claro, porque siempre pintaba mujeres cerca de ventanas…
-Ay!!! mirá, ahí vino Rocío, me salvó: Rocío!! hacete cargo. No puedo creer lo que hablan estos chicos. (Entra Rocío Romero con su bebé Santino y saluda).
-Lo de Berni fue confirmado por Rodolfo cuando colgamos…
-Ah, si lo dice Rodolfo…Yo siempre pinto acá los sábados, en la semana no hago tiempo por las clases.
-Preguntaba en cuál estaba Rodolfo, porque al parecer es un prejuicio que todos tienen con sus alumnas.
-Por ahí en los rostros…pero no, yo no lo veo.
-¿Qué otros pintores te gustan?
-Klimt, sí. Me gusta Matisse, por supuesto Rodolfo, los cuadros de Ana Lía también me encantan, Rocío, y ¿argentinos? Algo de Berni me gusta, Xul Solar, la acuarela…
-¿Sentís que te inspiran o copiás motivos?
-No, no. Sí estoy trabajando con las obras de Klimt, ahora. Ese cuadro (el de la imagen) tiene partes de obras de Klimt, me gusta todo lo que sea arabescos, lo decorativo. Y…¿influencia de Rodolfo? yo no lo veo, tampoco en el color…
-¿Considerás que tuviste etapas en lo que fuiste trabajando?
-Uno se va dando cuenta. “La espera” por ejemplo es una pintura arriba de otra, y es del año pasado. Cuando no me gustan vuelvo a pintar sobre el mismo cuadro. Los que más me gustan son los últimos que hice y el primero de todos, “Para mamá” del 90 y pico.

Antes de irnos nos muestra algo de la nueva serie, “Pintura sobre tela”. Es la tela –continúa- pegada sobre el bastidor. La idea es hacer mujeres de la historia del arte y pintar parte de su ropa, alguna de Gauguin y Las Meninas de Velásquez, por ejemplo.

Ver su exposición en la Biblioteca: picasa

Marianela Raggi por el Taller "Nosotros"

Rodolfo Morfese, sus alumnas y compinches, escribieron este currículum.

-Nacida en Cañuelas. Inició su formación en el “Taller de María” y el “Taller de la Esquina”.
-Prof. de Actividades Prácticas.
-Prof. de Artes Visuales.

Realizó cursos de capacitación:
-En el Colegio Lasalle (4 años).
-Post grado en informática educativa, “Manos, Máquinas y Chips”.
-El Vitraux y la Vitrofusión: Técnicas al servicio del arte y la decoración.
-Lectura de Obras de Arte. M.A.C.L.A
-“El arte y la educación” con Berta de Nun de Negro.
-“¿Qué es una obra de arte?” con Luis Felipe Noé (Teatro San Martín).

Muestras y trabajos:
-La creatividad al alcance de todos (con la participación de “Las Cartoneras”).
-Escribió sobre el maestro “Yuyo” Noé y sobre la faceta social en la pintura de Antonio Berni (análisis monográfico en la IUNA).
-Expuso en salones municipales y provinciales (entre los que se destaca la muestra realizada en C.C. Recoleta).
-Realizó diseños, escenografías y vestuarios.
-Ejerce la docencia en el nivel primario, secundario y terciario (público y privado).
-Dirige con la Prof. Rocío Romero el Taller “Nosotros II”.
-Se desempeñó como jurado en distintos certámenes de su especialidad.
-Participó en la organización y en forma activa en varias experiencias de “Arte público” y “Arte solidario”
-Ésta es su primera muestra individual en la B.P.D.F Sarmiento (ver en el blog las etiquetas “Muestras de arte” y “Entrevistas”)
-Tiene en preparación la serie “Pintura sobre tela”.

Las tres obras de Raggi

Variando un poco nuestra consigna, Marianela Raggi eligió tres obras de la historia del arte occidental.

-“Las tres edades de la vida” del pintor austriaco Gustav Klimt (1832-1918)

"Muestra las etapas de la vida en la mujer, desde el nacimiento a la vejez. En este caso me gusta la idea y la pintura. Las formas, me encantan".

-“Desnudo azul” del francés Henri Matisse (1859-1954)

“De su última etapa, donde pinta el papel, recorta y arma los cuadros. Me gusto todo eso y el contraste. Matisse también trabaja mucho con los arabescos; tengo algo con los arabescos, en la mayoría de mis cuadros aparecen”.

-“Vidrios” el trabajo actual de la plástica argentina Marta Minujin (1945) http://www.martaminujin.com/vidrios.html

"Me gusta el material con el que trabaja, los vidrios y las venecitas".

Entrevista al nuevo presidente, Julio Herrera

La nueva comisión asume con gran impulso e ideas nuevas, como vamos a leer en esta entrevista que le realizó el semanario local La información a Julio Herrera. La mayoría de los nombres que acompañan a Julio, tienen en promedio 30 años de edad, lo que habla de una importante participación de la juventud. Esperemos que puedan concretar todos sus proyectos y muchos más. Pues, de cualquier modo, nos implica.

La Biblioteca Sarmiento inicia una nueva etapa:

Julio Herrera es el nuevo presidente, luego de la asamblea realizada el martes en la institución. La información dialogó con Herrera para conocer las propuestas para este nuevo ciclo.

-¿Cómo surgió la idea de presidir la biblioteca?
-Nelia (Curone) me propuso hacer una lista, por ahí al principio lo esquivé un poco porque estaba muy atareado. Pero finalmente me decidí, porque a mí la cultura me hace feliz. Lo que no me esperaba era tener una repercusión tan importante en la juventud. Si te fijás, me acompañan todas chicas jóvenes, y la directora es Julieta Biato. Cuando empezamos a armar la comisión, buscamos un rango de edad determinado, toda gente nueva, y descubrí que la juventud quiere participar. Me motiva mucho trabajar con jóvenes, hicimos reuniones en casa, donde ya empezaron a salir ideas.

-¿Ya comenzaron las actividades?
-Sí, ya estamos trabajando. Tomamos contacto con la Biblioteca Nacional, y esta semana nos regalaron veinte libros editados por Colihue. También va a venir un profesor de la escuela de bibliotecarios de la Biblioteca Nacional que va a hacer una asistencia técnica. Vamos a tener una relación más fluida también con la Comisión Nacional de Bibliotecas Nacionales, y va a venir una ex secretaria de la Comisión de Bibliotecas Populares. Además hemos proyectado trabajar en conjunto con el Instituto Guido Germani de la UBA.

-Por lo que cuenta, hay muchas ganas…
-Sí, es así. Ya estamos pensando en un lugar para hacer una videoteca. También queremos ver cuál es el fondo bibliográfico con que contamos, y ver sin con la ayuda de la Biblioteca Nacional podemos avanzar en la digitalización de los libros incunables, esos que no se pueden tocar, para que la gente pueda tener un acceso a través de la Red, fundamentalmente los de Carlos Vega. Pero el camino es claro, hay que darle a la juventud el lugar que se merece.

Julio Herrera se desempeña desde hace varios años en la Secretaría de Cultura de la Nación y en los últimos meses ha colaborado activamente en las propuestas culturales que organiza al municipio. También en gestiones anteriores fue el nexo con diversos programas nacionales que llegaron a Cañuelas, es decir lleva una larga trayectoria trabajando por la cultura local.

-¿Piensa en darle una mayor apertura a la biblioteca?
-Sí, una de las ideas es empezar a trabajar con las escuelas y la Dirección de Inspecciones, para que nos adelanten qué libros van a usarse el año próximo, para poder tenerlos. Un libro a veces es muy caro, y la idea es que en la biblioteca lo puedan consultar. Queremos que los estudiantes usen la biblioteca. Otra idea es hacer un relevamiento de los socios, y ver cómo podemos hacer para que haya una cuota familiar, buscar por ahí una cuota un poco más importante, pero que alcance con que un miembro de la familia sea socio para que todos puedan retirar libros. Y queremos hacer una sala de lectura, un rincón para que cualquiera pueda pasar y leer, sin necesidad de ser socio. Lo mismo con los diarios, queremos que la gente los pueda leer en la biblioteca, incluso pensamos en conseguir una máquina de café para que estén más cómodos. Pensamos también en darle a la gente la posibilidad de que se cruce y se lleve los libros a la plaza y que después los devuelva. La idea es darle vida a la biblioteca.

-¿Cómo va a trabajar la comisión?
-Somos un grupo muy homogéneo. Si bien hay cargos, tratamos de trabajar todos juntos. Las chicas tienen muchas ideas. Ojalá las podamos poner en práctica.


Por Fernando Abdo.
La información de Cañuelas Nº168, 15/8/2008

Los tres libros de Galli

Cristina Galli, todavía convaleciente y desde la cama, eligió tres libros que le gustaron o marcaron. Uno sobre budismo, donde se toma de la ocasión para hablar sobre su experiencia con la religión oriental.

-“El hombre que susurraba a los caballos” de Nicholas Evans.

-“El principito” de Antoine de Saint-Exupéry.
Recuerda como imagen vívida cuando El principito dialoga con la rosa solo en el planeta.

-“La A” sobre budismo, autor desconocido.

En este último hacemos una paráfrasis para contar el acercamiento de Galli a las enseñanzas budistas. Cristina conoce a un lama en Tanti, Córdoba, en el año 93; allí comienza un camino que la llevaría a Nepal unos años después.

“La A” “son cánticos –explica Cristina- alrededor de la letra A en idioma oriya, tiene que ver con el principio y origen de todo”. Sobre el budismo en general y la razón de su acercamiento, dice: “Yo me preguntaba para qué estamos o por qué somos y adónde vamos, qué pasa con todo esto, y el lama me iba respondiendo esas cosas. A mí me maravilló porque es muy difícil encontrar esas respuestas. Por ejemplo yo jamás las había encontrado en el catolicismo, iba a misa y nada, no me gustaba nada de lo que oía. Entonces pensé, esta es la mía.” Y luego continúa: “ahora lamento un poco no estar más en el tema” y también “que mi marido – al que conoció en el año 98- no se haya enganchado, porque hubiera sido fabuloso”.
(Entrevista a Cristina Galli en el Índice: "Entrevistas").

María Cristina Galli: Entrevista

Inauguramos la nueva sección de entrevistas. Donde pondremos notas realizadas por el semanario La información, y también algunas nuevas. Empezamos con María Cristina Galli, una de las primeras artistas plásticas que dio Cañuelas. Y aprovechamos la oportunidad para enviarle un saludo amistoso, esperando su pronta recuperación luego de una intervención médica.

Más allá de las formas comunes

Cristina Galli reside junto a su marido en EEUU a 100 kilómetros de San Francisco, a partir del año 2000. Pero antes, en la década del 80, desde su legendario “Taller de la Esquina”, torció para siempre el rumbo de la pintura y el arte en Cañuelas.

El Taller de la Esquina funcionó desde el año 85 hasta iniciados los 90, en la esquina de Brandsen y Del Carmen. Principió, entre otros artistas locales, a Marianela Raggi, Mariela Salé y Lenchi Ramos. Otro pionero en el ámbito, Rodolfo Morfese, recuerda ese momento particular de Cristina: “tenía tanta creatividad que era casi imposible seguirla”.
-¿Cómo se te ocurrió abrir un taller de pintura en un lugar tan céntrico? Algo que nunca se había hecho.
-En el momento que muere mi padre yo pensé que mamá iba a estar muy sola y quería venirme para acá. Al principio me quedé largas horas trabajando los fines de semana acondicionando el sitio, dándole un clima especial, después hubo dos personas –principalmente- que me ayudaron: Roberto Betelu y Gustavo Noseda. La intención mía era abrir algo con una propuesta diferente, que el arte llegara a determinadas personas y se abrieran las puertas para que la gente pudiera manifestarse. En Buenos Aires yo había trabajado en TEA (Taller de Experimen-tación Artística), este lugar a mí me dio una postura totalmente nueva y grande. El día que yo entré a ese sitio, entré mirando todo lo que había; a medida que subía las escaleras percibía un clima mágico. Y eso es lo que de alguna manera quería traer. La carrera de Bellas Artes puede ser algo escolástico, y otra cosa es cuando uno vive un clima mágico, y tus ojos pueden ver más allá de las formas comunes. Por eso yo salía a caminar con los nenes a encontrarle formas a las manchas de humedad en las paredes y a experimentar la naturaleza.

-Muchos se acuerdan del lugar por el maniquí que había en la puerta.
-Lo del maniquí fue un boom, yo lo ataba de la reja y parecía que estaba volando. Y para determinadas circunstancias los chicos le cambiaban la ropa. La gente pasaba y le decía “buenos días…” (risas) como si fuera una persona. Siempre encontraba maneras de promocionar el lugar. Me acuerdo que una vez iba haber una carrera de bicicletas e iban a pasar muchas personas por ahí; entonces pensé que yo podía usar este evento y hacer algo. Me levanté muy temprano a la mañana con un tacho de pintura, y fui pintando líneas zigzagueantes, pisadas; y, como el circuito también pasaba por ahí, al final agregué “acá también funciona el Taller de la Esquina”.

-Por lo que contabas el taller era un lugar abierto para la experimentación, ¿qué tipo de gente iba?
-Yo decía que era para gente de 6 a 70 años. Ya había trabajado mucho tiempo con chicos en jardines de infantes y sabía que podía hacerlo porque tenía ese respaldo. Lo más fuerte era el taller de arte en general y el dibujo. Después empezamos con la cerámica, compré un horno para eso (Cristina habla de lo que seguramente fue el primer horno en Cañuelas). Era el lunes todo el día, a full, de la mañana a la noche, el resto del tiempo yo estaba en Buenos Aires.

SUS ALUMNOS

"Lenchi para mí fue una persona súper especial. El papá que era albañil me ayudada a preparar las paredes y un día me preguntó si él también podía venir a mirar. Se sentaba en un escaloncito y quedaba mudo, pero miraba todo-todo. Después el proceso que hizo Lenchi fue increíble, la evolución de su dibujo, fantástica. Al final terminé tomándolo casi como mi asistente. A los padres siempre les dije que si él quería hacer algo con esto que por favor no le cortaran las alas". Cuenta Cristina sobre Lenchi Ramos, que también habló con La información: "Son pocas las cosas que me acuerdo porque tendría ocho años, pero a lo que me quedó grabado todavía lo sigo utilizando. Miro los dibujos y observo que mucho de lo que me enseñó es lo que luego vi en la universidad. Yo al principio fui como un peón de mi viejo, al que no le prestaba mucha atención porque quería ver lo que estaba haciendo ella. Después cuando entré al taller mis horarios se desbordaban. Recuerdo que tenía un fitito y una vuelta pasó por casa para hablar con mis viejos, porque lloraba y quería irme con ella; quería estar a la par. Una cosa que me quedó grabada fue la modalidad de trabajo, la música como soporte, que es el clima que uso yo ahora".Otra de sus alumnas, Virginia Laorden, diseñadora gráfica, también acercó su punto de vista: “Hoy me asombro cuando recuerdo los proyectos de El Taller, fue algo totalmente innovador, y al día de hoy sigue siendo un espacio único. Cris tuvo la capacidad de hacer lo que sentía, que no es poco ni sencillo, y transmitir el arte de una manera especial, permitiéndonos a nosotros, pensar y experimentar con temas y situaciones nuevas. Es muy loco a los 12 años, hablar y plasmar un proyecto artístico, por ejemplo diapositivas, pinturas, escultura, desde la nada”.

yo soy yo
tú eres tú…
no he venido a este mundo
para cumplir con tus expectativas,
ni has venido a este mundo
para cumplir con las mías,
si nos encontramos
puede ser maravilloso,
si no…no tiene remedio.

Cristina Galli
(Cuadro con dibujo a lápiz, 1988)

Publicado en el semanario La información de Cañuelas, agosto de 2006

(Pintura arriba: La esquina de Brandsen y Del Carmen donde funcionaba el taller, por Omar Bustos.)